• >
主页 > www.10340.net >
www.10340.net
编导课丨33部影史重点影片介绍和解读
发布日期:2021-09-23 14:27   来源:未知   阅读:

  编导学习的重点有电影和文常,而两者的交集是电影常识,这次拿出来一部分,供同学们浏览学习,资料贴,可收藏。

  这些影片有些时光久远,没有时间的话,这次认真看看,不管你是在大学还是在高中,自会有所收获,获得对电影本身更多的理解,感受电影魅力。

  格里菲斯(1875—1948),美国电影导演。生于肯塔基州格拉兰基。他在艺术实践过程中,形成了一套较为完美的电影叙事语言,使电影的基本构成单位由场景进行到镜头,极大地丰富了电影的表现力,使电影摆脱了戏剧附庸的地位,真正成为一门独立的艺术。他对电影划时代的贡献,集中体现在《一个国家的诞生》(1915)和《党同伐异》(1916)两部巨片中。但前者获得巨大成功,后者却遭票房惨败,于是他从此一蹶不振。若论艺术成就,后者更高于前者,被公认为世界电影史上最早的一部经典作品。两部影片曾分别入选1952年英国《画面与音响》杂志评出的十部世界电影杰作、l958年布鲁塞尔国际博览会评选的“世界电影十二佳片”。他是世界公认的电影艺术奠基人。

  《一个国家的诞生》l 9世纪中期,美国南北战争前夕,主张废奴的北方议员斯通曼的两个儿子菲尔和托德来到南方庄园主卡麦伦之子本杰明家做客,他们是读寄宿学校时的好朋友。菲尔对本杰明的妹妹玛格丽特一见钟情,本杰明看到菲尔的妹妹爱尔茜的照片后也萌生爱意。

  内战爆发,本杰明当上南方陆军上校,菲尔则是北军上尉。战斗中,身负重伤的本杰明成了菲尔的俘虏。本杰明在住院时与参加救护工作的爱尔茜互生爱慕之情。爱尔茜向林肯总统求情,本杰明得到赦免,回到故乡。

  战后,随着林肯被刺,南方建立起了黑人恐怖组织。13350ccm老奇人玄机资料发表,卡麦伦的小女儿弗罗兰因反抗黑人格斯的强暴而跳崖身亡。本杰明愤而组织“三K党”,发誓以牙还牙。斯通曼的亲信林奇支持黑人暴徒,追捕“三K党”人。林奇向爱尔茜求婚遭拒,恼羞成怒,拘押斯通曼和爱尔蒿。本杰明率领“三K党”大队人马杀进林奇的大本营,杀死格斯,生擒林奇,救出了斯通曼一家。南方重又回到往日幸福安宁的田园般生活。本杰明与爱尔茜、菲尔与玛格丽特有情人终成眷属。

  《一个国家的诞生》就主题而言,具有浓烈的种族主义色彩和悲观主义思想。影片在某种程度上暴露了自幼生长在美国南方的格里菲斯所具有的思想感情的局限和种族主义偏见。此后,格里菲斯拍摄了规模更加宏大的影片《党同伐异》,并将他在《一个国家的诞生》中没有表达清楚的观点和信息作了进一步的延伸和发挥,突出了从古至今各民族之间所以出现流血、杀戮和战争,都是出于仇恨和偏见的这一主题。

  在影片《一个国家的诞生》中,格里菲斯在艺术形式上用细节的真实取代历史的真实,用紧张的情绪冲击来模糊观众清晰的理智,取得很大的成功。影片以明晰而富有章法的叙事结构和张弛有度的节奏,气势恢宏地表现了南北战争这一时代的巨变。格里菲斯大量采用移动摄影,增强了镜头的节奏感;他那具有推动情节、制造气氛和反映心理活动等功能的剪辑技巧更是把“蒙太奇”手法推向成熟。

  《一个国家的诞生》是世界电影艺术史上一部具有划时代意义的作品,它标志着美国电影工业的发展和电影创作中心从欧洲移向美国、好莱坞统治世界影坛的开始。本片在1929年美国全国电影评议会评选的1909年以来4部“最伟大的影片”中名列第一;1962年美国西雅图世界博览会评选l4部“最伟大的美国影片”中再次名列第一;1978年巴西《标题》杂志刊登100部“最佳影片”中名列第65位。

  查理·卓别林(1889—1977),英国电影演员、导演、剧作家、作曲家、制片人。生于英国伦敦的一个艺人家庭。20世纪二十年代是卓别林创作达到完善的时期。那个时期他对作品的精雕细琢几乎达到苛求的程度,《淘金记》(1925)、《大马戏团》(1928)、《城市之光》(1931)之所以成为电影史上的精品,都与他的苛求有关。

  但是有声片的出现给这位默片大师带来了无法解决的难题。他在有声片出现后顽固地拒绝使用有声对白。《城市之光》中他有限地使用一些环境音响和拟人语的滑稽音响效果。直到l936年,他才在《摩登时代》中有节制地使用声音。这部影片,以及4年后拍摄的《大独裁者》(1940),简直好像是卓别林的政治宣言,尤其显示出他可敬的勇气。

  第二次世界大战后,他的创作发生转折。他自编自导的《凡尔杜先生》(1947)和《舞台生涯》(1952)标志了这一转折。影片主角不再是流浪汉,而是市民、艺术家。但是他们是流浪汉形象的继承和发展,他们同流浪汉一样都是社会的边缘人,都是他探索现代人的社会心理的载体。1972年,他重返离别整整20年的美国,接受“奥斯卡”终身荣誉奖。他最不朽的艺术贡献,是在银幕上塑造了一个名叫查利的流浪汉的形象。这个流浪汉基本上是失业者,即使有职业,也给人一种干不长的印象。所以卓别林影片中的主角大多在找工作。流浪汉的形象塑造是写实和理想的奇妙结合,透出温馨的诗意和慰藉人心的希望。

  《淘金记》1898年,单身汉夏尔洛去阿拉斯加淘金,一场暴风雪,将他和另一个采矿人吉姆卷进了逃犯拉森的小木屋。吉姆制服了拉森,与夏尔洛结成好友。拉森出去觅食,夏尔洛饿得煮自己的皮鞋吃,而同样饥饿的吉姆竟产生了夏尔洛是活鸡的幻觉。暴风雪停了,吉姆和夏尔洛打死一头熊,饱餐一顿后两人各奔前程。吉姆找到了金矿,却与拉森争斗起来。拉森打昏吉姆,装满金块下山时,遇上雪崩送了命。夏尔洛独自来到蒙特卡罗舞场,爱上了舞女乔治亚。夏尔洛找到一份工作,帮助找矿人料理家务。除夕之夜,夏尔洛设宴招待乔治亚。乔治亚却在舞厅忙于应付客人而失约。夏尔洛用两把叉子叉起两只梭子形的面包,算是舞女的两只脚,在桌上跳起舞来。第二天,夏尔洛来舞场找乔治亚,却遇上失去记忆的吉姆。

  吉姆看到夏洛尔后突然恢复了记忆,遂一起去找那个金矿。他们历经波折终于找到金矿,成为百万富翁。在回美国的轮船上,夏尔洛穿上来时的服装让记者拍照,不慎跌到三等舱甲板上,与同船的乔治亚意外相逢,两人热烈接吻。

  在影片《淘金记》中,卓别林塑造的夏尔洛形象不只一次地出现在他的不同题材影片中,但本片却是卓别林一在无声电影时代摄制的许多杰作中最完美的一部。卓别林常把尊严作为喜剧的主题。他扮演的夏尔洛是一个极力想装作绅士模样的流浪汉,他那种可笑的装腔作势和他要求尊严的权利并不矛盾,而这种权利的取得对于那些卑鄙的尊贵人物与警察、银行家、狱吏之类,恰是一种嘲讽。作为一名人道主义者,卓别林通过对小人物的塑造,倾注和表露了自己对生活、对社会的爱憎感情和鲜明态度。由于卓别林天才的表演才能,他的影片的蒙太奇是很原始的,大部分场面都用全景拍摄,人工照明和移动摄影在他的影片中很少采用。本片中“面包舞”和“吃皮鞋、变活鸡”这两场戏是具有隐喻意义的精彩之作。卓别林前后了20余年时问发掘夏尔洛形象,共拍了近70部夏尔洛喜剧系列片。

  谢尔盖·米哈依洛维契·爱森斯坦(1898—1948),前苏联电影导演。出生于拉脱维亚里加的一个犹太建筑师家庭。1925年拍摄投身影坛的第一部长片《罢工》,运用杂耍蒙太奇理论,创造出强烈的视觉效果,从而一举成名。同年,他为纪念十月革命而拍摄的《战舰波将金号》,对蒙太奇的运用达到了相当完美的境界。其中“敖德萨阶梯”场面和“石狮怒吼”隐喻镜头,成了历来电影史论著作一再援引的经典性例子。

  在《十月》(1927)和《总路线)中,他对蒙太奇理论又进行了新的探索。l 938年摄制的《亚历山大?涅夫斯基》,是他运作“对位法”获得灿烂成果的作品。这部长音阶交响乐式的作品极端讲究技巧上的精致,以至于有时反而遗忘了人物和剧情。上述两片和两集片《伊凡雷帝》(1944一l946),均为他在莫斯科苏联国立电影学院导演系任教期间摄制,集中体现了他对电影语言发展做出的巨大贡献。

  《战舰波将金号》以l 905年的俄国革命为背景,描写战舰波将金号上的水兵们不堪沙皇的专制统治和军官们的虐待,在瓦库林楚克的率领下举行起义,占领军舰。瓦库林楚克在起义中壮烈牺牲。市民在长长的敖德萨阶梯上悼念死难烈士。沙皇派出大批军队对手无寸铁的人民进行了惨无人道的屠杀,敖德萨阶梯成为人间地狱。波将金号战舰开炮还击反动军队。入夜,波将金号战舰驶过拒绝开炮同胞的黑海舰队,驶向公海。

  影片在世界电影史上第一次把革命的人民作为主人公搬上银幕,以崭新的艺术语言创造,使电影成为富有思想性的真正的艺术。本片代表了蒙太奇电影的最高成就,受到各国人民和电影家们的交口赞誉,被公认为经典巨作而在电影艺术史上占据显赫地位。影片对蒙太奇的创造和运用达到了完美的境界。导演以快慢交错的蒙太奇节奏组合成全片交响曲般的结构,各个段落犹如交响曲的各个乐章,从一个节奏转入另一个节奏,起伏跌宕,错落有致,具有古典悲剧般的崇高。

  影片在蒙太奇隐喻方面也创造了前所未有的成果,随舰军医的夹鼻眼镜,三个不同姿态的石狮镜头都给观众留下难以磨灭的印象。影片的高潮、最著名的“敖教德萨阶梯”一段中,蒙太奇的功能和魅力得到了淋漓尽致的发挥。本片于l952年在比利时由63位世界著名导演评选的“世界电影l2佳作”中排名第一;1958年在比利时布鲁塞尔由26个国家的ll7位电影史学家评选为“世界电影12部佳作”的第一名;在英国《画面与音响》杂志关于“世界电影十大佳作”的评选中,本片于1952年名列第四,于l962年名列第六,于1972年名列第三,于1982年名列第六。

  甫谢沃洛德·伊拉里昂诺维契·普多夫金(1893—1953),前苏联电影导演和演员,蒙太奇理论的创始者之一。于l925年导演了第一部大型影片《母亲》。此片是继《战舰波将金号》之后对电影语言的又一次重大革新,其中“涅瓦河解冻”喻意段落成为联想蒙太奇的重要依据。

  影片在世界各国上映时受到高度评价,入选1958年布鲁塞尔国际博览会评出的“世界电影十二佳作”。他的《圣彼得堡的末日》(1927)和《成吉思汗的后代》(1929)两部重要作品贯彻了他的叙事原则。他的创作特点是表现手段丰实,目的明确、风格严谨、手法简练、节奏抑扬顿挫、特别注重表演,从而确立了斯坦尼斯拉夫斯基表演体系和银幕形象塑造的有机结合。

  导演的主要作品还有:《普通事件》(1932)、《逃兵》(1933)、《胜利》(1938)、《米宁与波扎尔斯基》(1939)、《苏维埃电影二十年》(1940,与人合拍)、《苏沃洛夫大元帅》(1941)、《海军上将纳希莫夫》(1947)、《俄罗斯航空之父茹科夫斯基》(1951)、《瓦西里·波尔特尼科夫的归来》(1953)。参加表演的主要作品有:《母亲》、《俄罗斯人》和《伊凡雷帝》。

  《母亲》沙皇的专制统治使工人们在贫困线上挣扎,愚昧的工人往往借酗酒斗殴、打骂妻子来发泄心头的无名怒火。尼洛夫娜经常遭受工人丈夫的羞辱。丈夫死后,儿子巴维尔走上工人运动的道路,母亲尼洛夫娜为之担心。在儿子和他的同志们的影响下,逆来顺受的母亲终于觉悟起来,投身革命洪流。在一次“五一”大游行时,工人们遭到了残酷,巴维尔牺牲。母亲前仆后继,从倒下的儿子手里接过红旗,高喊着冲向刽子手们。该片站在革命史诗的高度,在以诗意的手法概括地表现时代氛围和革命群众的同时,深刻地描写了人物的个性,通过个人命运表现一代人民的命运。

  影片成功地展现了母亲这一典型形象的完整的性格发展过程,创下了早期电影史塑造人物的典范。本片是不同于爱森斯坦风格的苏联蒙太奇电影的又一代表巨作。它的蒙太奇运用紧凑有力,富于音乐性,拍摄角度和细节处理独具匠心。影片运用了大量的隐喻手法,既丰富了表现手段,又获得了巨大的感染力。工人游行时流水的隐喻镜头已成为电影史上的经典段落。影片摄影借鉴现实主义古典绘画传统,严谨而生动,许多镜头富于寓意。

  本片把斯坦尼斯拉夫斯基表演体系成功地引入电影表演,两位主要演员的表演是“体验艺术”的原则同银幕特殊规律结合起来的典范。本片是苏联及世界电影的杰作之一,l958年,在比利时布鲁塞尔由26个国家117位电影史家评选出的“世界电影十二佳作”中,本片名列第八位。

  让·雷诺阿(1894—1979),法国电影导演,印象派画家奥古斯特雷·雷诺阿之子。雷诺阿是法国诗意现实主义的象征。他导演的第一部影片是1924年的《水上姑娘》。他在电影创作初期,将注意力集中到下层人民身上,并寄予深切的同情。如《娜娜》(1926)、《卖火柴的小姑娘》(1928)、《托尼》(1935)、《底层》(1936)等。

  此后,雷诺阿拍摄出了他的两部杰出的作品:反对战争、宣扬人道主义精神的《大幻灭》(1937)和揭露上流社会醉生梦死的《游戏规则》(1939)。前者入选1958年布鲁塞尔国际博览会“世界电影十二佳作”,后者被认为是雷诺阿光辉的顶点、法国最好的电影。他的作品具有鲜明的现实主义特征,他对景深镜头的系统运用具有重大的创新意义,被奉为电影美学经典。

  《游戏规则》以20世纪三十年代的法国为背景,深刻地揭示了以谎言作为生存准则的上流社会的丑陋。罗贝尔侯爵在庄园里举行宴会,欢迎刚创下一项飞越大西洋纪录的飞行员安德烈。在应邀前来的男女宾客和模仿主人的仆人之间,发生了一幕幕丑剧、闹剧。安德烈早已爱上侯爵夫人克莉斯汀娜;而侯爵和贵妇人热纳维耶芙又早有私情被克莉斯汀娜偶然发现;庄园的猎场看守舒马歇因差人马尔索勾引自己的妻子丽赛特而与他满屋追杀;侯爵又与安德烈大打出手;刚向安德烈表示了爱慕之情的克莉斯汀娜转而却对义兄奥克达夫吐露爱情;克莉斯汀娜披着丽赛特的披风被舒马歇错认为是妻子丽赛特在与奥克达夫偷情;赛奥克达夫决定与克莉斯汀娜私奔;丽赛特的劝说使奥克达夫决定让安德烈带克莉斯汀娜离走;安德烈跑向花房去见克莉斯汀娜;舒马歇举枪误杀了安德烈;侯爵却向众人声称忠于职守的舒马歇以为有人偷猎而误杀了安德烈。

  影片人物众多、人物关系复杂,叙事以主人和仆人平行和对比的两条线精心结构而成,展现出侯爵庄园这个异化社会里的种种闹剧和悲剧。上流社会,包括他们身边的仆人假绅士们都是重仪表轻真诚的人,雷诺阿将他们描绘成:是一个死亡社会的死亡价值,其必然会走向灭亡。

  《游戏规则》被公认为是雷诺阿生平创作中最完美的影片。它表现了第二次世界大战爆发前夕惶恐不安的人心,无论从表现风格还是主题来说,都是一部反映一个时代的杰作。影片熔喜剧与悲剧于一炉,既有事先的精细构思,又有许多拍摄过程中的即兴发挥。它深刻揭露了那个残忍的、非人性的、异化的资本主义社会,流露出创作者深沉绝望的悲哀。本片集中体现了雷诺阿在组织镜头运动方面的非凡才华。他让同一个景深镜头的前景和后景同时展开平行的动作,造成戏剧性的对照,给观众以多义的选择。影片在长镜头、景深镜头、蒙太奇和画面隐喻上都有经典性的创造。

  1941年雷诺阿移居美国为好莱坞拍了六部影片。1951年回到法国,拍摄的优秀作品有《法国康康舞》(1955)、《被捉住的军士》(1962)等。主要作品还有:《查尔斯顿》(1927)、《马尔基泰》(1927)、《游手好闲的人》(1929)、《穷乡僻壤》(1929)、《堕胎》(1931)、《娼妇》(1931)、《十字街头之夜》(1932)、《被救出水的布杜》(1932)、《肖塔尔公司》(1933)、《包法利夫人》(1933)、《兰基先生的犯罪》(1935)、《乡村一角》(1936)、《马赛曲》(1937)、《衣冠禽兽》(1938)、《沼泽地》(1941)、《吾土吾民》(1943)、《向法国致敬》(1944)、《南方人》(1945)、《女仆日记》(t946)、《海滩女郎》(1947)、《大河》(1951)、《金马车》(1952)、《艾伦娜和男人们》(1956)、《草地上的午餐》(1959)、《让?雷诺阿的小戏剧》(1969,电视片)。

  约翰.福特(1885一l 973),美国电影导演。生于缅因州伊丽莎白角一个爱尔兰移民家庭。至l966共拍摄了l40多部影片,共获得6次奥斯卡奖,其中4部是故事片:《告密者》(1935)、《关山飞渡》(1939)、《愤怒的葡萄》(1940)、《沉默的人》(1952);两部是纪录片:《中途岛战役》(1942)和《十二月七日》(1943)。福特的创作最能体现勇敢开拓的美国精神,他曾被誉为美国最伟大的电影导演。

  《关山飞渡》1885年夏季某一天,一辆载着9个人的驿车离开亚利桑那州的通特市,前往新墨西哥州罗特斯堡市。车上有去探望军营丈夫的孕妇露栖、有酗酒成性的医生蓬纳、有被逐出市的妓女达拉丝、赌棍赫脱飞、越狱犯灵果、追捕他的警官“卷毛”、卷款潜逃的银行家盖特乌、心胸狭窄的酒商彼柯克、以及胆小怕事的马车夫。驿车先由骑兵护卫队护送下走到多佛。从多佛开始,驿车就不得不单独行走了。到达亚巴虚威尔斯驿站,露栖在蓬纳和达拉丝帮助下,顺利产下一个女婴。也在这时,灵果爱上了心地善良的达拉丝。驿车继续前驶,在渡过州界河流后,遭到印地安人的进攻,双方展开了一场激烈的追逐和枪战。由于寡不敌众,驿车上的人眼看要被全部消灭。这时,驻军守备队及时赶到援救了他们。驿车到达目的地后,盖特乌遭到了逮捕,灵果由于英勇作战,赢得了警官的同情。最后,灵果在警官的默许下,找到了仇人,报了仇,又在警宫同意下,携达拉丝奔向新的生活。

  本片根据欧内斯特·海科克斯的《去罗特斯堡的驿车》改编,被誉为“好莱坞叙事形式典范影片”,并塑造了约翰.韦恩这一西部片的巨星。《关山飞渡》获得第l2届奥斯卡最奖男配角、最佳音乐、最佳影片编剧三项大奖。

  奥逊·威尔斯(1915—1985),美国电影导演、演员和剧作家。生于威斯康星州基诺沙。他是公认的“神童”,1938年,他制作了一个极巧妙的广播节目《宇宙的战争》,使几百万美国人上当,以为地球已和火星人发生了战争,由此名声大噪。

  1941年,独立执导并主演第一部影片《公民凯恩》,这是现代电影第一部辉煌杰作。他创造出一种独具新意的多视角的现代叙事结构,并对电影语言及其视觉技巧锐意革新,系统运用了景深镜头、长镜头段落、音响重叠和宽角度镜头等。影片将现代社会问题提升到人性异化的哲学高度。

  该片被英国《画面与音响》杂志多次评为“世界电影十大佳作”第一名;1987年获为纪念好莱坞建立l00周年举办的“美国十大佳片”评选的第一名;1958年布鲁塞尔世界博览会“世界电影十二佳片”之一。但该片当时在商业上遭到失败,他也被好莱坞冷落,在完成了叫好不叫座的《安培逊大族》(1942)之后,独立拍片困难重重。五十年代以后的大部分作品是在欧洲摄制的。这些作品中有根据卡夫卡原著改编的《审判》(1962),具有半自传性质,毫不掩饰地表现了战后生活的苦难和导演本人对权势的厌恶。

  《公民凯恩》一位即将离世的美国新闻界巨头凯恩已奄奄一息,手中却还紧攥着一个玻璃球,嘴里不时喃喃着;“玫瑰花蕾。”就这样他离开了人世。记者汤姆逊查看了一部仓促制作的有关凯恩生平的纪录片,认定凯恩是一个重要的、值得了解的人物。于是,他走访了在凯恩一生中与他有过重要关系的几个人。

  通过查阅曾是凯恩监护人赛切尔的回忆录,汤姆逊知道了凯恩童年时代的一些重要情况及凯恩后来如何与赛切尔作对的起因。在凯恩过去的总经理伯恩斯坦眼中,凯恩既是一个商人,又是一个理想主义者,并说他一生“追求的不是金钱。”而凯恩早年的朋友、《问事报》评论员莱兰认为凯恩参与政治及极力促成前妻苏珊成为一名歌剧演员是试图证明什么。凯恩前、妻苏珊和生前的管家雷蒙都谈到了苏珊与凯恩最终分手的原因。雷蒙还介绍了凯恩在苏珊离去后曾砸毁了屋内所有的东西。他当时就曾拾起那个有雪景的玻璃球喃喃自语地:“玫瑰花蕾”。

  至此,汤姆逊已经弄明白了:搞清“玫瑰花蕾”的含义是了解凯恩其人的关键所在。但他就是搞不懂这四个字到底是什么意思。他终于失望了。

  而观众们看到这里,却从影片画面的传递中获取了一个重要信息:在凯恩童年时玩耍过而现在正被焚毁的雪橇商标上写着的,正是这样四个字。从某种意义上说,理解这部影片的关键在于理解这部影片的基本叙事动机。

  影片中记者先后采访的几个人,都是凯恩一生中曾与他有密切关系的人。但他们谁都未能对凯恩之谜作出一个令人信服的解释。直到影片结局,那个褪了色的带有“玫瑰花蕾”商标的雪橇在炉中被一点点吞噬,人们才似有所悟:凯恩在临终时所不能忘情的仍然是童年时那些纯真的东西。

  影片以含而不露的艺术处理手法,将一个具有普遍意蕴的社会问题提升到人性异化的哲学高度,从而深刻揭示出人物性格所具有的巨大矛盾:被资本点燃的人类贪婪、专横之火,最终仍被人性纯真之水熄灭。

  本片艺术上的成就具有划时代意义:它是第一部在全片中系统运用“景深镜头”、长镜头段落、运动摄影和音响蒙太奇的影片,其在视觉技巧的探索上所取得的成就,直到今天仍被世界影坛所公认,被誉为“现代电影的里程碑。”本片曾获1942年奥斯卡最佳剧本奖。此后,在英国《画面与音响》杂志举办的“世界电影大佳作”评选中,在1962、1972、1982年度均名列第一;在1977年美国电影协会举行的“全美电影十大佳作”评选中名列第二;在1987年纪念好莱坞建立百年而举行的“全美十大佳片”评选中名列第一。

  英格玛·伯格曼(1918一2007),瑞典电影导演。生于瑞典乌布·沙拉的一个牧师家庭。曾为法国著名导演马赛尔·卡尔内的助理导演,深受影响。1945年起成为导演。他的影片初期比较注意夫妇之间的隔阂与不理解,后转为表现老年人的心理状态及哲学问题。五十年代后成为瑞典的著名导演,深受法国及全世界电影人的注目。

  影评界认为“在瑞典电影史上,如果五十年代是罗西里尼的时代的话,那么,六十年代就是英格玛·伯格曼的时代。”他的作品引起了欧美知识分子的关注,他突破了一般故事片的习惯手法,有意识地用抽象的哲学概念作为影片的中心,从而被人们称作“新理性主义”作家,六十年代有著名的信仰三部曲。

  主要作品有:《第七封印》(1957)、《野草莓》(1957)、《脸庞》(1958)、《处女泉》(1959)、《呼喊与耳语》(1972)、《秋天奏鸣曲》、《芬妮与亚历山大》(1982)、《美好的愿望》(1992编剧)。其中《野草莓》是伯格曼享有最高荣誉的影片,曾获1958年柏林国际电影节金熊奖;1959年美国全国影评家协会最佳外国影片奖和最佳男演员奖;l960年威尼斯国际电影节最佳外语片奖。

  《野草莓》76岁的医学教授埃萨克·波尔格做了个噩梦,梦见躺在棺材里的死尸正是自己。这位一直生活在孤独、冷漠中的老人感到了死期的临近。埃萨克和儿媳玛丽安驾车前往隆德,出席授予埃萨克荣誉博士的授衔仪式。途中,他触景生情,回忆起自己和亲人之间的许多往事,他深爱着的表妹莎拉被哥哥西格弗里德夺走,他的妻子因为他的冷漠无情而与别人通奸,他的母亲、儿子、儿媳和自己的关系也不和睦……在授衔仪式后,埃萨克做了个梦,梦见自己回到了温馨的童年。

  本片也是世界电影史上划时代的一部杰作,被誉为开创了作者电影、主观电影、内省电影的先河。影片在不同程度上触及到伯格曼所关注的三大问题:人的孤独与痛苦;生与死、善与恶的相互关系;上帝是否存在。主人公埃萨克孤独冷漠,与亲人之间难于沟通、理解,其内心寂寞、空虚,在迟暮之年陷入了孤独的痛苦中。

  影片采用多主题、多线索、多层面的复调结构,其中一个经典的原创性场面是年迈的埃萨克与年轻的莎拉在野草莓地里相遇,在这里,过去与现在、梦幻与现实并列在一个画面中,二者进行了跨越时空的相互对话。本片的基本情节由五个相当长的梦构成,开头是一个可怕的噩梦,结尾是一个恬静美丽的梦。借助于梦,伯格曼深入到心灵、意识和下意识的一切领域。片中,野草莓象征着青春、爱情、幸福、光明等一切美好的事物,并构成影片一条明亮的线索。摄影富于表现主义风格,尤其在片头的噩梦中。

  萨蒂亚吉特·雷伊(1921—1992),印度电影导演。生于加尔各答。当看到让·雷诺阿在加尔各答郊外拍摄《河》以后,决心献身于电影事业,1955年正式成为电影导演。他的第一部影片《道路之歌》描绘了一个地处森林边缘贫穷乡村孩子们的原始生活图景,每个画面都优美动人,该片获得戛纳电影节人权证书奖。雷伊也是亚洲四位美国奥斯卡终身成就奖的获得者之一。

  在第二部影片《不可征服的人》中,那个贫穷乡村的男孩已长大成人,随家人迁居城市,后来,终于考入了大学。此片对现实观察细致入微,表现手段独具匠心,荣获威尼斯电影节金狮奖。l959年他又完成了与前两部影片情节连贯的“阿菩三部曲”的最后一部《阿菩的世界》。

  以后,雷伊在技巧上更加刻意求精,注意运用布景、光影等表现手段。在《孤独的女人》(1965)中,他通过移动摄影,光影变化来揭示人物的内心世界取得完美的艺术效果。在《远方的雷声》(1973)中,他通过对一位教师命运的描写,展现了1948年孟加拉遭受饥荒时代的广阔图景,再一次显示了他的艺术才华和独特风格。该片是他后期作品中最出色的一部。

  雷伊的所有影片均由他本人编剧,大多反映印度的社会现实问题,寓意深刻,风格上具有浓厚的民族色彩。他是享有最高声誉的印度电影艺术家,曾被列为世界五大电影导演之一。1992年病逝前,被美国电影艺术与科学学院授予终身成就奖。

  《远方的雷声》影片的主人公是个婆罗门教徒,他既行医又教书,在一个富裕农民的帮助下,开办了一所乡村小学。在这个地区,由于1942年到l943年间的战争引起大米短缺,接着又发生了一场严重的饥荒。影片的结尾字幕指出,“在1943年孟加拉人为的饥荒中,有五百多万人遭受饥饿或者因此而死亡。”为了大米,社会和道德秩序都崩溃了。影片并未直接描写崩溃的过程,而是通过个人的经历,人物的内心冲突,将它体现出来。因此,尽管描写的事件骇人听闻,影片却仍包含着一种和缓的讽刺味道。同人们极度贫困、濒临死亡的状况相对照,导演坚持表现大自然的美,表现草木生长活动的一些细节,表现静止不动的蝴蝶。

  《远方的雷声》不是一部鼓动性和控制性的作品,而是一首伤感的哀歌,是雷伊一生创作的代表作品,本片获得柏林电影节最佳影片金熊奖。

  弗朗索瓦·特吕弗(1932一l 984),法国电影导演,“新浪潮”电影主将之一。生于巴黎。1950年以《电影手册》杂志影评入的身份开始了他的电影生涯。他和让一吕克·戈达尔等人一起,倡导了将电影作为个人化表现手段的“作者理论”,对传统法国电影提出挑战。

  l959年第一部长片《胡作非为》(又译《四百下》)问世,获当年戛纳电影节最佳导演奖,标志着他被推到了电影“新浪潮”的前沿。这部反映安托万·杜瓦奈尔生活经历的自传体影片,与以后拍摄的一系列影片的主人公都由同一演员饰演,构成了描写特吕弗“第二自我”的影片系列,在电影史上独具一格。

  《胡作非为》表现主人公少年安托万所在的学校刻板严厉,残害儿童的天性。桀骜不驯的安托万时常被老师粗暴对待,风流放荡的母亲和懦弱的父亲对安托万也缺少温馨的亲情。他在冷漠的环境里艰难而畸形的成长着;他撒谎、逃学、偷东西,只能在自己酷爱的巴尔扎克小说里寻求寄托。一次,他与好同学雷内去父亲所在的办公大楼偷打字机,被不问青红皂白的父亲扭送到警察局,关进少管所。他不堪非人的待遇,逃了出来,奔向向往已久的茫茫大海。

  本片是新浪潮电影运动的一部代表作,它完整地体现了导演自己所倡导的“作者理论”的理想。影片开拓了自传体影片的新天地,它以导演自己早年的坎坷经历为原型,通过非戏剧性的叙事手法,和一系列日常琐事的层层累积,来步步深入地展现主人公孤独、苦闷、彷徨的内心世界,透视造成他产生叛逆乃至犯罪心理的社会因素,从而由点及面地探讨了具有社会普遍性的一些问题,如成人的专横冷漠、名存实亡的家庭关系、僵化与体罚式的教学方法对青少年所带来的毁灭性灾难,以引发观众的普遍共鸣。

  本片打破传统电影的样式界限,以纪实风格为基础,使纪实与抒情、悲剧与喜剧浑然一体。为加强影片的真实可信度,导演适宜地运用了大量长镜头。影片结尾安托迈与大海的一段长镜头撼人心弦,已成为经典镜头段落。本片获1959年戛纳国际电影节最佳导演奖;纽约影评协会最佳外语片奖。

  1961年,他拍摄旨在摆脱传统观念、提出新道德法规的《朱尔和吉姆》,引起很大反响,使他赢得了广泛良好的国际声誉。他在25年导演生涯中拍摄了23部影片,大部分都获得了国际性褒奖。l980年拍摄的《最后一班地铁》最为令人瞩目。他的影片富于人情味和幽默感,渗透了他对人生、爱情、伦理及至社会的思考和体验,并善于将个性强烈的探索和观众的需求结合起来,甚至逐渐回归传统。

  主要作品还存《枪击钢琴师》(1960)、《柔软的皮肤》(1964)、《华氏451度》(1966)、《穿黑衣的新娘》(1967)、《密西西比河的美人鱼》(1969)、《野孩子》(1970)、《两个英国姑娘》(1972)、《美国之夜》(1973)、《阿黛尔?雨果》(1975)、《隔壁的女人》(1981)、《盼望星期天》(1983)。

  阿仑·雷乃(1922一2014),法国电影导演。生于布列塔尼半岛的瓦纳市。l4岁开始就尝试用8毫米或l6毫米胶片拍摄电影。以后学习过表演,并参加过巡回演出剧团。1943年进入法国高等电影学院深造。l945年雷乃开始担任纪录片和广告片的摄影师。1959年,他导演了由玛格丽特·杜拉斯编剧的《广岛之恋》,这是阿仑·雷乃首次长片创作。本片获l959年戛纳国际电影节评委会大奖,在法国电影艺术与技术科学院1979年评选的“法国十大佳片”中名列第七名。

  《广岛之恋》一位法国女演员到广岛拍摄一部宣传和平的影片,与一位日本建筑师产生了短暂的爱情,从而唤起她对初恋情人的回忆。二战时期,在她被德军占领了的家乡内韦尔,她与一个德国士兵相爱了,但恋人被抵抗战士的冷枪打死,她也被视为法奸被剪光了头发。恍惚中,她把两个情人混同起来了。不能实现的爱情、即将到来的离别、广岛遭浩劫的惨剧、她个人的痛苦回忆……一切都混淆在一起了。他们彼此呼唤着对方:“广一岛!内~韦一尔”。

  影片一问世即轰动西方影坛,被誉为“空前伟大的影片”,“也许和《公民凯恩》同样重要”。《广岛之恋》在一定意义上是西方电影从传统时期进入现代时期的转折点,它宣告了一个与新浪潮电影同时期的流派即“左岸派”的崛起。它也是“作者电影”的代表作,既具有编导者的独特风格,又有十分浓烈的文学色彩。与传统电影通常的单一表现不同,本片意蕴暖昧多义,可作多层次阐释。它既表现了一个爱情故事,又折射了战争,进而达到对和平主义的赞颂。它还以矛盾运动的辨证结构阐发了“忘却”与“记忆”之间的复杂关系,告诫人们不要忘记惨痛的历史。

  本片一反传统电影的线性叙述,将时空交错的意识流、象征主义、“新小说”的文学语言有机地融为一体,极大地拓展了电影语言的空间。大段的内心独自,祷文式的叠句、咏叹式的朗诵,为一般影片所罕见。导演运用画面表现了人的潜意识活动,形成影片现实与记忆交错,不同时空交叉的意识流叙事方法,同时在视觉与语言之间达到完美的平衡。大量的象征手法使影片的人物与内涵具有抽象和普遍的意义。

  1961年,他与罗勃一格里叶合作拍摄的《去年在马里昂巴德》,更深入地走进了一个现实与幻想始终无法区别的世界来表现人的内心生活的实质。该片因此而成为现代主义电影的经典性作品,并获当年威尼斯电影节金狮奖。他在以后的创作中仍高度依赖视觉形象紧紧把握节奏和速度,极其成功地运用下意识闪切来探索人物行为和心理的状态。

  阿尔弗雷德·希区柯克(1899—1980),美国电影导演。生于英国伦敦一个信奉天主教的商人家庭。l955年加入美国籍。l 940年赴美国,以《蝴蝶梦》一片开始了在好莱坞的辉煌事业。四十年代的杰作《春闺疑云》(1941)、《疑影》(1943)、和《爱德华大夫》(1945),奠定了无人能够取代的“悬念大师”的地位。

  五十年代,他进一步致力于将作品主题和风格溶为一体,着眼于影片的结构,使之没有一个多余细节,每个细节都是整个结构的有机组成部分,创造出独特的电影表达方式。杰出作品有《列车上的陌生人》(1951)、《后窗》(1954)、《晕眩》(1958)和《西北偏北》(1959)等。

  六十年代以后,他试图拓宽自己的表现领域,但取得成功的依然是表现极端强烈恐怖和以弗洛伊德心理分析为基础的作品,如《精神病患者》(1960)、《群鸟》(1962)和《玛尔尼》(1964)等。构成他作品的基本成份是恐惧、性欲和死亡。他在电影美学方面受到德国表现主义和苏联蒙太奇理论的影响。1992年英国《画面与音响》杂志评选世界电影史上l0位最佳导演,希区柯克在评论家和导演两大投票系列中均榜匕有名。

  《精神病患者》某房产公司职员玛丽恩为筹钱结婚,利用工作之便私吞巨款潜逃。她在一一偏僻的汽车旅馆投宿,在沐浴时惨遭旅馆主人诺曼杀害。诺曼是个有双重人格的精神变态者,强烈的恋母情结使她无法容忍母亲有情人。他将母亲杀害后又把她的尸体制作成木乃伊供奉起来。他的人格也分裂为二,一半是自身,一半异化为母亲。在这种变态心理的支配下,他杀死了三个女人和一名侦探,后终被擒获。

  本片是希区柯克最卖座的一部影片,被誉为“西方恐怖片划时代的力作”、“西方第一部现代恐怖片”。本片以精神分析学说为依据编织成一个离奇而又合理的惊悚故事。希区柯克打破恐怖片的传统模式,以高超的技巧操纵观众。他在情节上处处设疑,制造幻象,利用同化心理一再把观众引向误区。以浴室凶杀为界,巨大的逆转使其前后判若两部影片,这种对传统叙事结构的破坏极大地强化了悬念的力量,使浴室凶杀一场戏具有震撼人心的效果。这是一部有关“人性的恐怖”、“危险来自人自身”的心理恐怖片。导演充分调动纯电影手法,以蒙太奇、场面调度、节奏、布光、摄影机运动、音响的综合运用营造出震骇人心的恐怖效应。浴室凶杀时的45秒内组接了78个刀、人体、喷头、浴缸的近景和特写短镜头,没有一个刀刺中人体的血腥画面,纯粹以蒙太奇的心理效应而产生电影史上罕见的强大视觉冲击力,成为不朽的经典镜头段落。

  阿瑟·佩恩(1922一 2010),美国电影导演。生于美国费城。他的电影事业巅峰的作品是《邦妮和克莱德》(1967),该片获得观众和评论界的一致赞誉,电影史家们更把它视为旧好莱坞向新好莱坞过渡的里程碑。

  影片的最后一个场面十分震撼人心密集的子弹射向这一对走投无路的青年男女,他在这里用了“慢动作”,这个手法后来被许多电影导演所仿效。他的影片大多以社会边缘人为主角,如孤独的牛仔(《左撇子》)、残疾人(《阿拉巴麻的奇迹》)、匪徒(《邦妮和克莱德》)等。他从与传统观念不同的新视角来描述他们,表现他们。如西部片《矮小的巨人》(1970)就是典型的实例。

  在这部影片中印地安人不再是威胁白人生存安全的凶神,相反白人才是进行种族灭绝屠杀黑人的罪人。他是新好莱坞一代的代表人物,他的《左撇子》、《矮小的巨人》和《米苏里河决堤》(1976)构成了有关美国历史发展的新神话版本。

  《邦尼与克莱德》影片男主人公惯偷克莱德在偷汽车时被少女邦尼看到,她不仅没告发他,反与她结为同伙,共同作案。因为邦尼早已厌倦了这儿死气沉沉的生活,她觉得克莱德所干的这一切很有趣,富于刺激性。他们冲入一家银行抢劫,但那家银行早在三周前就已停业。这之后,他们又结伙打劫了家杂货店,却又差点被人杀死。在加油站,邦尼和克莱德遇见了傻小子毛斯,于是,他们总算成功地抢劫了一次银行,可荒乱之中毛斯却又将车停错了地方,使他们险些被抓住。克莱德惊慌之中杀了一个银行职员。不久,他们与克莱德的兄嫂聚到了一起,继续他们的强盗生涯。最后,毛斯的父亲将邦尼与克莱德出卖给警方。这一对雌雄大盗终于死在了警察的乱枪之下。

  影片因深受法国“新浪潮”电影的巨大影响及其艺术上的鲜明特色,被誉为是“新好莱坞主义”的代表作之一。艺术上,它同时具有惊险片、警匪片、传记片、喜剧片、黑帮片的特点。既不同于希区柯克式的悬念惊险片,又不同于詹姆斯·邦德的动作惊险片,而是一部具有社会批评意识的、发人深省的新好莱坞主义的艺术片。为了表现人物性格,导演不顾好莱坞表现“完美”的陈规,在创作中大胆地运用了许多超常规的视觉形象处理,在光色、气氛、角度、构图上进行了大胆创新,从而使本片成为美国电影发展中的一个标志与从传统好莱坞向新好莱坞的转折。本片获1967年奥斯卡最佳女配角和最佳摄影两项奖。

  弗朗西斯·福特·科波拉(1939一 ),美国电影导演、编剧和制片人。生于底特律,在纽约郊区长大。中学时代便喜爱电影、戏剧、音乐和文学写作。以编剧《巴顿将军》赢得了他的第一尊奥斯卡金像奖。他导演的描写黑手党家族的《教父》(1972),获得了美国电影史上几乎空前的商业成功,www.252535a.com,也在国际上引起轰动,并赢得最佳彩色片等三项奥斯卡金像奖。

  随后,他拍摄了更为精彩的影片《对线)。该片主人公窃听专家是一种可以使每个人都受到监视的社会制度的代理人,他使用最复杂的仪器,好像生活在真空中,但最后却成了这个制度的受害者,忍受着内心恐惧的煎熬。该片的构思虽在尼克松执政前,水门事件的发生使它更具现实意义。该片获戛纳电影节金棕榈奖。

  伺年,又推出了《教父(续集)》(1974)。他用平行蒙太奇手法叙述了西西里的科莱昂家族早期历史以及该家族最年轻的族长今天同美国社会大人物之间的斗争,荣获了包括最佳影片和最佳导演在内的6项奥斯卡金像奖。

  上述影片之所以如此成功,除了艺术上的出类拔萃,更重要的是他理解并强调了美国家庭和个人生活内的在困境所导致的悲剧,这是永远无法实现的美国梦。l979年,他编导了以超现实主义手法创作的反映越南战争的巨片《现代启示录》,尖锐与深刻的主题,独特的视觉造型与震撼力可谓登峰造极,影片彻底揭露了20世纪的恐怖以及文明与野蛮之争,获戛纳电影节金棕榈奖。

  《现代启示录》越战期间,美情报机关上尉威拉德受命暗杀已降的沃尔特上校,在途中,枪杀、暴力、抢劫、奸淫、战火和硝烟呼唤着上蔚心中的野性,在自立王国的上校身上他仿佛看到了自己的影子。影片具有超现实主义倾向,是七十年代美国最有影响、最有代表性的越战片之一。

  此片使用隐喻、象征手法,以越战为背景,描写这次暗杀的行动,以此来探索人与战争的矛盾,控诉了战争促使某些人心理变态而成为战争狂人。它采用超现实主义手法以取得更大创作自由,借以深化主题。色彩运用、音画配合、气氛营造、场面调度都给人一种怪诞神秘的感觉,超越了哲学和主题所能达到的境界。暴力、恐怖、疯狂、幽默、愤怒、绝望使整个影片充满了激情。

  该片以其主题的尖锐性、深刻性、视觉独特性和震慑性引起了广泛关注。本片曾获1979年戛纳电影节金棕榈奖;美国电影艺术科学学院最佳摄影、最佳音响两项奥斯卡金像;好莱坞外国记者协会最佳导演,最佳男配角两项金像奖;亦获英国影艺学最佳导演,最佳男配角奖。

  史蒂文·斯皮尔伯格(1947一 ),美国电影导演。等于俄亥俄州。从小立志成为电影导演,l l3岁时拍摄的习作《无路可逃》在业余电影比赛中获奖。在加州大学电影学院就读时摄制的短片《骑马缓行》(1969),标志其导演生涯的开端。第一部长故事片是《横冲直撞大逃亡》(1974)。

  1975年,拍摄了轰动世界的灾难片《大白鲨》,由于该片特技、剪辑、音响等方面高超的制作技巧,成功地传达了普通人平时所感到的孤立无援和无能为力感,极大地满足了观众的精神和心理要求,成为七十年代中期票房价值最高的影片。1982年推出的儿童科幻片《外星人》,运用高科技的手段,诱使观众进入赏心悦目的现代童话世界,肯定了纯真质朴的人性,成为电影史上票房记录最高的影片(当时)。

  他的影片以大制作、高赢利著称,但他并不单纯迎合观众趣味,而重在描写人情。他的影片叙事结构大致相同,作为普通人的主角在面临异常的对手时,往往进入一个充满幻象的神奇世界,成功地表现了某种社会群体意识。他创作的基本特色是丰富的想象力和纯熟的视觉技巧,充满着一种具有世界性宇宙观的温情主义。

  主要作品还有:《第三类接触》(1977)、《l 941》(1979)、《夺宝奇兵》三部曲(1981)、《紫色》(1985)、《太阳帝国》(1987)、《侏罗纪公园》(1992)、《辛德勒的名单》(1993,获奥斯卡奖最佳作品奖、最佳导演奖)、《迷失的世界》(1995)、《拯救大兵瑞恩》(1998)、《人工智能》。

  《辛德勒的名单》l 939年9月,德国企业家奥斯卡·辛德勒来到波兰克拉科夫接收了一个搪瓷厂,保证德军的陶器供应。厂里的劳力都是没有报酬的犹太人。他的会计师和助手伊特兹哈克?斯泰尔恩将工厂变成犹太逃亡者的避难所。

  l941年3月,辛德勒过上了奢侈的生活。辛德勒不得不亲自从准备开往集中营的列车上将斯泰尔恩搭救出来。l942年冬天,犹太幸存者被成群驱赶到普拉晓夫劳改营。辛德勒为纳粹暴行惊骇,冒着风险,花钱给党卫队指挥官阿蒙·格特打通关节,想“买”出这些犹太人的生命。在辛德勒的生日宴会上,他因吻了犹太少女而被捕,格特及时赶到他才得救。

  1944年。一万名犹太人的骨灰像雪片一样从城市上空洒下。纳粹德军接到命令:将普拉晓夫的犹太人送到奥斯维辛集中营。辛德勒和斯泰尔恩列出所谓“必不可少”的工人名单,与格特“商量”要用整箱现金将ll00名犹太人转移到捷克边境的新工厂。新工厂安顿好后,辛德勒宣布七个月内不为德军生产有价值的产品。战争结束时,辛德勒遭到破产厄运,身无分文。被他拯救过的犹太人向他赠送辅币以示感谢。他让工人们获得新的自由,自己则逃往西方。

  这部描写纳粹德国种族灭绝大屠杀的政治恐怖片获得巨大成功。导演将本片划分为两个不同的组成部分:其一是经过出色的美工设计而产生的几乎与新闻纪录片没有两样的纪实影片;其二是对法因斯扮演的野蛮的格特、利亚姆·尼森扮演的温文有礼的辛德勒和本·金斯利扮演的令人难忘的斯泰尔恩三位主角的人物性格研究。他们优秀的表演赋予影片十分强烈而令人难忘的戏剧性。本片获1994年美国奥斯卡奖最佳影片、最佳导演、最佳改编编剧、最佳男演员、最佳男配角、最佳美工指导、最佳摄影、最佳剪辑、最佳原作音乐、最佳服装设计、最佳化妆、最佳音响等十二项提名和最佳影片、最佳导演、最佳改编编剧、最佳美工指导、最佳摄影、最佳剪辑、最佳原作音乐等七项奥斯卡奖。

  黑泽明(1910一l998),日本电影剧作家、导演。生于东京都品川区。他的电影创作起始于战争之前,《姿三四郎》(1943)和《姿三四郎续集》(1945)是他战前的代表作品。l946年的影片《无愧于我们的青春》,揭开了黑泽明战后电影艺术创作的序幕,以后五年的时间里,他一口气撰写了十三部电影剧本、拍摄了七部影片,全部被搬上银幕。

  其中有《美好的星期天》(1946)、《泥醉天使》(1947)、《静静的决斗》(1949)和《丑闻》等优秀作品,战争与社会现实给日本人精神和心理所造成的痛苦和失据状态,成为他这一时期电影作品的主题。

  l951年,黑泽明的《罗生门》在威尼斯国际电影节上一举夺冠,使日本电影第一次引起世界的极大兴趣和关注,也使得黑泽明从此享誉国际影坛。

  影片《罗生门》的叙事成几何式结构,一个故事,四个版本,各唱各的调,无一不是以最完美的一面呈现自我。这种多角度的透视方式,揭示出真理的相对性和主观性,体现了黑泽明不同于战前创作的主题兴趣。而以声、像、光、影合奏所形成的纯电影化的交响乐章,也展示出黑泽明独特的电影观念。

  黑泽明的《罗生门》使当时的世界影坛,继爱森斯坦和茂脑之后,重新获得了一种久违了的震撼。《罗生门》于1952年还获得了美国奥斯卡金像奖最佳外语片奖。此后,影片中包含着生命的意义的问题、官僚体制问题、利已自私的问题的又一部力作《活着》(1952),仍旧以多音复义、多层面和多角度的相互观察与评价的叙事形式,获得了影内人士的肯定,夺得了柏林电影节银熊奖。

  历久弥新的《七武士》(1954),当年获得威尼斯电影节银狮奖,此后被人们称之为是黑泽明“男子汉的电影世界”中最具有代表意义的一部影片。黑泽明在这时期的创作中,获得国际大奖的影片还有第一部宽银幕电影《坏蛋睡得香》(1958),获柏林电影节银熊奖,国际影评论家奖。《红胡子》(1965),获莫斯科电影节工会奖,威尼斯电影节圣·乔治奖。

  “他山之石,可以攻错”在黑泽明的电影中改编外国名著也是这一时期创作上一大特色:《白痴》(1951)、《在底层》(1957)、《蛛网宫堡》(1957)等。

  l970年,他创作第一部彩色电影《电车铃声》,获莫斯科电影节电影工人同盟特别奖。1971年自杀未遂。国际影人伸出了友谊之手,邀请黑泽明执导《德尔苏·乌扎拉》(1975),此片获莫斯科电影节金奖、奥斯卡金像奖最佳外语片奖。

  科波拉与卢卡斯又以海外版权的形式赞助了《影子武士》(1980)的拍摄,该片获戛纳电影节金棕榈奖、美国奥斯卡奖导演奖,威尼斯电影节特别奖。

  1982年法国高蒙公司赞助黑泽明拍摄的《乱》(1985),获美国奥斯卡奖服装设计奖,纽约影评家协会奖、美国电影金球奖,美国奥斯卡奖最佳外语片奖。

  1990年,80岁高龄的黑泽明创作了他的实验电影《梦》(1990),当年获得了美国奥斯卡奖终身荣誉奖。1991年,《8月狂想曲》获苏联政府颁发的各民族友好勋章、全美导演协会格里菲斯奖。l993年,《一代宗师》获第七届日本京都表现艺术奖,发表《我的电影观》演讲。1998年9月6日病逝。日本政府授予他荣誉国民奖童。

  《罗生门》樵夫进入森林发现一具男尸后跑去纠察使署报了案。行脚僧在森林中曾遇见武士武弘和他的妻子真砂,成为了法庭上的证人。倾盆大雨中的平安城(京都)罗生门前,樵夫和行脚僧向跑来躲雨的打杂儿人谈起了武弘被杀一案在法庭上的不同陈述。被捕后的强盗多襄丸说,他是以机智诱骗、偷袭武弘并将其就范的,并当着他的面强奸了真砂,他原本不想杀死武弘,却因为真砂不愿在两个男人面前出丑,而与武弘的展开了决斗,武弘的确武艺高强,但还是被他用长刀杀死了。他表示遗憾的是竟然没有注意到真砂那把名贵的短刀。在真砂的证词中,多襄丸把她污辱后就跑掉,而武弘冷酷的目光更使真砂越发地可怜无助,她手持短刀扑到丈夫的跟前,关键的时候她却晕了过去。死去的武弘借女巫之口讲述了他是用妻子的短刀自杀的,以恢复武士的荣誉,冥冥之中,短刀却被人从胸口上抽了出去。

  在以上三个当事人的各自相同的主观陈述之后,樵夫则以客观的口吻说出了目击事件的全过程,真砂并非可怜无助,在由她挑起的丈夫与多襄丸之间的那场不情愿的决斗,武士不像个武士、强盗也不像个强盗,最后武弘可耻地被多襄丸用长刀杀死,而多襄丸也神智失常地追真砂而去。樵夫的叙述显然是对前三个版本的否定。然而,在这个相对客观的版本中却没有提到前三个版本中的短刀。罗生门前,樵夫痛斥打杂儿人剥夺弃婴的衣物,却被狡猾的打杂儿人揭露出偷走短刀的人就是樵夫。由此樵夫客观版本的“真实性”也令人表示怀疑,使案件更加显得扑朔迷离。最终樵夫为赎回自己的罪过收养弃婴,使一直处于谎言震憾中的行脚僧终于维持住“人间还是有可信赖的人”的信念。

  黑泽明在运用电影多角度叙事手段揭示真理的相对性和主观性的同时,鞭挞了人性可悲、不诚实、利己自私的一面。影片以片段交错的剪接营造出电影非线性叙事的特征。

  《罗生门》丰富的电影语言和摄影技法的运用,也是当年震惊威尼斯,令西方电影人一片哗然的主要因素,最引人注目的是樵夫进入森林的段落,时而摄影机的移动,时而被摄物体的移动,以人物的运动触发摄影机的移动,移动接移动准确地塑造出樵夫走向迷途的过程。《罗生门》的成功标志着日本电影的艺术水准获得了世界影坛的承认。该片于l982年威尼斯国际电影节50周年的历史纪念中,在众多金狮奖影片的评比中,再次拔得头筹再次获得了“金狮奖中的金狮奖”。

  小津安二郎(1903—1963),日本电影导演。生于东京。肄业于早稻田大学。1923年进入松竹公司的蒲田电影制片厂,曾作摄影助手、副导演。1927年拍摄了第一部无声片《忏悔的白刃》。l930年,他开始与编剧野田高梧合作,先后拍摄了《那天夜晚我的妻子》(1930)、《东京的合唱》(1931)和《青春之梦》等。1932年,小津安二郎拍摄了他的代表作品《有生以来初次看到的》,深刻地揭露了社会黑暗和虚伪。影片被评为当年《电影旬报》十部最佳影片之首,得到了极大的赞誉,从而奠定了小津安二郎的导演艺术风格。

  此后小津安二郎又拍摄了《一念之差》(1933)和《浮草》(1934)均被当年《电影旬报》评为十部最佳影片之首。小津安二郎的早期作品以描写小市民生活题材为主。他坚持拍摄无声片,被称为将无声片拍到最后的一位导演,他的创作也被誉为是日本默片时代的一座顶峰。

  l937年以后,两次被征入伍。1946年回到日本,再度与老搭档野田高梧(编剧)合作,从《晚春》(1949)开始,以每年一部影片的速度拍摄了《麦秋》(1951)直到《秋刀鱼的味道》(1963)等一系列描写平民阶层、老年人孤寂以及儿女婚姻等问题的影片。小津的风格以低角度摄影、短切镜头、淡化戏剧冲突和注重心理描写而著称。

  小津安二郎的主要代表作品还有:《独生子》(1936)、《户田家兄妹》(1941)、《父亲在世时》(1942)、《贫民窟绅士录》(1947)、《风中的母鸡》(1948)、《东京物语》(1953)、《早春》(1956)、《东京的暮色》(1957)、《春分时节的花卉》(1958)、《浮萍》(1959)、《小阳春》(1960)、《小早川家《秋天》(1961)和《秋天的午后》(1962)等。

  《东京物语》70岁的老人周吉和67岁的老伴富子离开广岛故乡尾道,到东京探望儿女们。长子幸一是医生,双亲一到东京就住在他家,但因工作繁忙幸一夫妇便请贤惠的次子遗孀纪子陪同老人游览东京。后来,两位老人又搬到开美容院的长女志泉家,长女却嫌父母给她添麻烦,打发二老到热海温泉去。吵闹的旅馆使两位老人根本无法入睡,便提早一天又回到了东京,长女因晚上家中还有聚会而抱怨,二老抱歉地走出长女家,走在街头深感为难。

  次子遗孀的公寓房间很小,周吉让老伴富子留在那里,自己则去找旧友。富子见已故次子的照片依旧摆在纪子桌上,颇有感触地说,没有任何血缘关系你却比亲生孩子还亲。周吉与两位旧友相约酒店,各自诉说着对儿女的失望,直到半夜酩酊大醉的周吉回到长女家,长女大怒地说,从孩提时代就被喝醉的父亲伤透了心。

  两位老人踏上回归尾道的旅途后,东京的儿女们突然收到电报,老母亲途中身体不适,在大阪下车在三子那里住了一夜后回到尾道。不久,东京儿女又收到老母病危的电报,几人从东京赶到尾道后,次日凌晨老母亲去世。葬礼后,长女感兴趣的是母亲的遗物,而且和长子幸一匆匆赶回东京,三子也为看棒球比赛赶回了大阪,只有次子遗孀纪子留下来帮助料理后事。

  在尾道做小学教师的小女儿愤慨地责备兄长们过于自私。善良的纪子最后告别周吉返回东京。

  影片展现的是一段极其平凡的家庭成员之间的心理矛盾,客观地揭示出家庭生活中父慈子孝的传统观念的破灭,从而对现代日本社会的生活、家庭伦理等问题进行了社会分析。全片没有激烈的矛盾冲突和戏剧性的情节变化,但却以活生生的人物形象,性格化的动作和语言,高度风格化的艺术表现,使世俗生活焕发出艺术魅力。小津安二郎导演的独特风格:固定机位的摄影、稍稍仰起的视角、对称而稳定的画面构图、缓慢而匀称节奏等,在影片里都有集中的体现,使《东京物语》成为小津安二郎风格的经典范例。此片当年评选为《电影旬报》十佳影片的第二位、并获得日本文化节文部大臣奖、伦敦电影节国际电影杯奖。

  衣笠贞之助(1896—1982),日本电影导演。生于三重县龟山市。在早期日本影片的时代,他首创了无字幕默片的新形式。他倾其全部家产摄制的《疯狂的一页》(1926)便是这种新形式的第一部实验作品。公演时由演员德川梦声在一旁解说,全体演职员为此而欣喜若狂,在日本电影史上把这次首映称作新事物降临前,黎明时刻的狂热一页。他也被公认为新感觉派电影的创始人。

  以此为契机,他成立了新感觉派联盟,后改为日本电影史上最早的独立制片的萌芽形式,衣笠贞之助电影联盟并着手创作第二部实验电影《十字路》(1928)。完成后携片前往欧美,倾听对日本电影的评价,成为最早向欧美介绍日本电影的导演。1953年他拍摄了日本电影史上第一部用伊斯曼彩色胶片摄制的作品《地狱门》。除获国内各类电影奖外,在国际影坛上为日本的彩色电影赢得了荣誉与尊敬。1966年与苏联合作拍摄《小逃犯》后退出电影界。在他长达半个世纪的电影艺术生涯中,是日本电影史上唯一的永远保持着创新气质的电影巨匠。

  《地狱门》12世纪日本平康之乱时,武士盛远冲破叛军的拦击,救出宫女婆娑,并被其美貌所深深吸引。盛远在平定叛乱中立下大功,在论功行赏时,他请求国君平清盛将婆娑赐给他结婚,遭到平清盛的讥笑。原来,婆娑是平清盛侍从渡边渡的妻子。无法忘却婆娑而苦恼的盛远,在宴会上竟拔剑要与渡边渡决斗。盛远越来越走火入魔,对婆娑和其婶母进行威胁。婆娑深知如不顺从,丈夫将会有生命危险,于是假意让盛远去杀自己的丈夫,而自己却假扮成渡边渡,结果被盛远所杀。几天后,盛远剃光了头,穿着僧衣,离家出走了。

  这是一部有关日本中世纪传奇的悲剧影片,是使用伊斯曼胶片,在色彩的自然感和表现力上取得了巨大成功的一部影片。它充分发挥了日本传统戏剧美学的造型风格,并从日本传统色彩感与构图方法上汲取了许多有益的东西,多次运用大远景的俯瞰构图。影片在帮助欧美各国观众了解日本古代民情风俗以及日本电影的民族风格等方面起了很大作用。它是紧跟《罗生门》之后又一部获得国际大奖的影片,标志着日本电影已为西方影坛瞩目。本片获1954年戛纳国际电影节金棕榈奖;第27届奥斯卡最佳彩色片服装设计奖。

  沟口健二(1898一l956),日本电影导演。生于东京,长于浅草。1923年创作了日本电影史上最初的表现派作品《灵与血》。l929年加入年轻导演“倾向电影”的行列,执导了成为日本经典名片之一的《城市交响曲》。

  在不断的探索中终于形成了沟口作品特有的风格气质,那就是不幸的女性、情绪和悲恋。最初这种风格形成于l933年《飞瀑如白练》中。这一风格的最高代表作品《浪花悲歌》(1936)、《青楼姐妹》(1936),已成为日本电影的代表名作,日本女性电影发展史上的里程碑。l 937年执导的《爱怨峡》,在此风格上又形成了沟口长镜头。该片战后送国外展映,令国际影坛的导演们大为震惊。

  战后,沟口健二以大明星的塑造与新古装片的创作为日本电影赢来了国际荣誉。他培育了贯穿日本电影史的大明星田中绢代,完成了4部名作《西鹤一代女》(1952)、《雨月物语》(1953)、《山椒大夫》(1954)、《近松物语》(1954)。

  此后他考虑向现代片进军。1956年创作的《赤线地带》是现代作品,虽然不太成功,但显示了沟口决心突破自己已有的成就,探索新形式的艺术飞跃。可惜这是沟口的遗作,后人无法再继续看到他心中未竟的艺术理想。沟口一生作品的数量很多,其中处于迷惆、平凡之作不少,而成为日本电影史、世界电影史上不朽名片的亦很多。沟口是成长于战前的日本电影史上著名的几位巨匠之一。

  《雨月物语》兵荒马乱的日本战国时代。陶工源十郎和他妻子宫木与妹夫藤兵卫、妹妹阿滨两家各自经营小瓷窑,小本经营,艰难渡日。藤兵卫一心想当武士,弃妻而去,结果阿滨沦落为娼。最后藤兵卫做官发财梦破灭,只好带着阿滨回到家乡重操旧业。

  源十郎本是勤劳的烧窑人,却相信越乱越能发财。他遇上女鬼若狭,几番温存,只觉得幸福天降,一心想与名门之后若狭相亲相爱,心底里只觉得捡了个大便宜。直到一名老和尚指点迷津,他才大梦初醒。而他的妻子已被乱兵杀死。

  本片没有一句说教,但评论界一致认为这是一部脍炙人口的警世之作:不义之财、非分之想,只能昙花一现,譬如浮云朝露,终难持久。只有勤劳踏实地劳动才是安身立命之本。但无论如何,源十郎与女鬼若狭相恋相爱的场面拍得极富诗情画意,梦幻的意境营造得颇为动人。通观全片,画面干净利索,借鉴了水墨画、浮世绘的风格,许多段落如诗如画,凄迷动人。导演以他所擅长的以景物烘托剧情和人物心境的手法,赋予全片以苍凉哀婉的格调。《雨月物语》真正打动西方影坛的是他与欧洲截然不同的长镜头风格。该片于l953年获威尼斯国际电影节银狮奖;在英国《画面与音响》l962、I972年评选的“世界十佳影片”中,本片均榜上有名。

  大岛渚(1932一2013),日本电影导演,剧作家。出生于京都一个知识分子家庭。l959年,他开始独立执导影片,第一部作品是《爱与希望的街》。影片表现了阶级矛盾的不可调和,结尾的处理冲击感极强,一改松竹公司影片“淡淡的悲伤主义”的传统格调。

  翌年,他相继导演了《青春残酷物语》和《太阳墓地》,以新颖的手法表达了强烈的反体制思想和对“性”与“暴力”独特见解,作品严肃地剖析社会,唤起青年一代的共鸣。他与同时代的吉田喜重、筱田正浩等被宣传界誉为日本松竹电影新浪潮,大岛渚被誉为旗手。

  同年,他创作了《日本的夜和雾》,这是一部反映战后青年一代由奋斗转向消沉的引人注目的影片,评论家认为该片是他对自己青年时代的经历进行反思的产物。

  1975年,他编导的日法合作影片《感官王国》取材于一真实事件,描述一个心理变态女子,在与恋人分别多年后再相会时,竟割下了恋人的生殖器。该片在戛纳电影节获很高评价,但在国内引起争议,被禁止公映,直至1982年才解除禁令。

  I978年,他重新剪接了该片,从独特的角度描绘生、死和性的《爱的亡灵》,获当年戛纳电影节最佳导演奖。l

  982年他拍摄的描写二次大战时期日军残害战俘的影片《战场上快乐的圣诞节》,获1983年戛纳电影节最佳影片提名,在国内获每日电影竞赛最佳作品奖、导演奖、编剧奖。

  主要电影作品还有:《马科斯、我的爱》(1986)、《御发度》(1999)。

  《青春残酷物语》大学生藤井在街头救出受流氓调戏的高中女生真琴,两人相识了。在海滨飘浮的圆木上,藤井粗暴地征服了真琴。两人同居了。为了享受青春的权利,他们靠敲诈阔老的钱去兜风取乐。为了赚钱,藤井不得不给阔太太政枝当情夫,他因人格受到侮辱而烦恼。

  秋本和由纪是上一代的青年,他们曾以满腔热情参加,如今却在为在中浪费的青春惋惜。藤井深感自己没有力量保护真琴,便和她分手了。他在街头被一帮阿飞毒打致死。真琴为了逃避一个流氓的纠缠而惨死在高速公路上。

  这部日本新浪潮电影的代表作表现了两代人的残酷青春:以秋本和由纪为代表的积极参加民主政治运动的上一代和以藤井和真琴为代表的以个人反抗方式向社会发泄的新一代。藤井和真琴是五十年代末六十年代初的青年一代,他们否定上一代青年斗争的经验,试图按自己的意愿去向社会冲击。他们对旧的社会体制不满,但又不知谁是敌人,便采取玩世不恭、甚至以犯罪的形式来发泄心中的郁闷,结果他们的反抗往往是自戕式的。

  影片深切表达了编导对时代的关心和促进时代前进的愿望,告诉人们战后民主政治运动虽然遭到了挫折,但青年们反体制的热情不应付之东流,其精神永存。影片没有传统电影的故事线,主要以视觉形象来感染、冲击观众。具有安逸、松驰视感的绿色被摒弃在银幕外,以充分渲染人物内心的烦躁不安。影片最后将在两地的藤井和真琴的尸体叠化而成一个“人”字镜头,是撼人心弦的大手笔。

  新藤兼人(1912~ 2012),日本电影导演兼编剧。生于广岛,战前主要从事剧本创作。l 950年自编自导处女作《爱妻的故事》,一‘举成名。于是开创了日本独立制片的先驱样式,为了挽救处于经济危机中的独立制片~一近代映协,他又勇敢地拍摄了超低预算的《裸岛》,获得了意外的成功。除获国内电影旬报十佳作品奖外,还获得了1960年莫斯科电影节金奖,影片畅销世界38个国家与地区,至此他还清了全部债款,还挣出了下,一部影片的摄制费。

  该片在世界电影史上留下了光辉的一页,被称作“没有台词的电影诗”。同时创造了‘‘新藤方式的摄影法,即“整个日本大地就是我的摄影所’’的纯外景拍摄法。他的作品多次在国际获奖,除《裸岛》外,《裸的19岁》(1970)也获莫斯科电影节金奖。l977年他创作的《竹山孤旅》获莫斯科电影节导演奖。在电影艺术上,他以具有强烈震撼力的纪实性而闻名于世。他作品中所贯穿的对于“性”的描写,已形成自己独特的风格。九十年代他转向老人问题题材的创作。l995年创作《午后遗书》,获日本电影旬报十佳作品奖第一名,并囊括了几乎日本国内的所有电影奖。l999年创作《我要活》获莫斯科国际电影节金奖。

  《裸岛》海中一个方圆约有六七百米的小岛,住着一个四口人家。男的叫干太,女的叫阿丰,还有他们的两个儿子:八岁的太郎与六岁的次郎。他们辛勤耕耘,把整个小岛从海滩到岛顶端开出了一层层的梯田。小岛没有淡水,干太、阿丰每天从早到晚用船运来大岛上的淡水浇地。他们默默地摇船、挑水、浇地,日复一日年复一年。

  不料平静的生活起了波澜,太郎突发急病,干太去大岛请医生耽搁了时间,阿丰、次郎眼睁睁地看着太郎死去。阿丰无法忍受如此重复的生活,发疯似的把田中幼苗拔出,摔到干裂的地上。干太却依旧默默地舀水,浇地,过不变的日子。第二天,干太、阿丰又从大岛运来淡水,他们挑着水桶,艰难地爬上层层山坡,阿丰拿起水舀,小心慢慢地浇,让干裂的黄土吮干这点滴的水。

  《裸岛》又译作《赤贫的岛》,描写一一个赤贫之地的赤贫人们的生活,它用黑白片的效果体现了严峻的主题和朴实的风格。它又是一部无对白有声电影,以有声的自然衬托默默耕耘的人们,使观众面对饱经沧桑的土地而产生一种原始力的震撼。“默默”之中,浮出了韵味,浮出了风格,一种精神,默默渗入观众的心田。该片以其强烈的造型感和视觉冲击力而被誉为日本六十年代新浪潮的先驱,是日本电影史上独立制片的名作。本片获1961年莫斯科国际电影节最佳影片奖。

  今村昌平(1926一2006),日本电影导演,生于东京一个医生的家庭。l958年,他独立执导的处女作《被盗窃了的情歌》一问世,即引起评论界的热切关注。在此后的两年时间里,他以《猪和军舰》(1960)的成功,跻身于日本一流导演的行列。

  六十年代,他开始探索从文化人类学的视角拍摄影片。作为社会调查的成果,他拍摄了《日本昆虫记》(1963),对日本下层妇女昆虫般的顽强生命力表现出爱怜与痛恨交加的复杂情感。l967年,他尝试以记录片的拍摄手法创作的《人的蒸发》,充分揭示了人的内心世界的奥秘。1968年,在《诸神的欲望》中,以南岛习俗为依据挖掘了日本传统文化的原型。

  1983年创作的《楢山节考》,就日本人对于生与死的理解进行了探讨,获l984年戛纳电影节大奖。他一贯以探索人存在的意义和人的欲望之源为宗旨,注重表现社会底层人物,尤其是农民的生活。1997创作《鳗鱼》,描写当代小人物的生存状态,获戛纳电影节金棕榈奖。

  主要作品还有:《红色杀机》(1964)、《复仇在我》(1978)、《为什么不行》(1981)、《人贩子》(1987)、《肝脏先生》(1998)、《赤桥下的暖流》(2001)。

  《楢山节考》信州深山中的一个贫穷小村子,由于贫困而沿袭下来一种抛弃老人的传统:所有活到七十岁的老人,都要被家人背到槽山上丢弃。今年六十九岁的阿玲婆离上槽山的日子不远了,可她身体结实,这使她很苦恼。因为担心长子辰平象他父亲一样不敢背母亲上山而惹人嘲笑,她有意敲掉了自已还算结实的两颗门牙。

  一天,作为续弦的儿媳妇阿玉来到辰平家里,颇受阿玲婆和辰平喜欢。长孙袈裟吉又娶了西屋家女儿阿松做妻,不料因西屋家偷人家的土豆而全家被活埋。阿玲婆既教会阿玉捉鱼的方法,又说通阿金与次子、作为奴崽的利助过一夜性生活,然后准备上槽山的仪式。

  拂晓,辰平背着阿玲婆走上了白骨成堆、恐怖悚人的槽山,然后忍痛告别妈妈,返回村里。天飘飘扬扬下起大雪,阿玲婆在雪中槽山默默地等待死神的到来。

  今村导演像研究一块古生物化石或原始生物标本一样,通过影片的特殊语言表现了一个恪守原初习俗和原始的封闭世界,人们拙笨而执著地活着,又在习俗的寒风白雪中死去。朴素的生命观体现了他们生命的顽强,然而这种原始的朴素的道德风俗却无形之中压抑了人性,对自身内部的生物性进行排斥,剥夺了奴崽们一般的性本能的要求,然而这种自身内部与生物性交融一体的人性却深深地刺激了被剥夺者的潜意识。同样,作为观众亦会为之而深思。影片是一曲生的赞歌,将生与死者表现得极富美感和庄严。此片获得l983年戛纳国际电影节最佳影片金棕榈奖。

  岩井俊二(1963一 ),日本电影电视导演。生于宫城县仙台市。中学时代迷恋电影,遍览日本国内外电影。毕业于横浜国立大学。之后活跃于映象媒体界。执导过电视广告片、电视剧、音乐电视片等。

  l993年执导富士台电视剧《如果》中的一集《仰望烟火,还是侧看烟火?》,获日本导演协会新人奖。l 994年执导电视电影《解绳》,以其独特的映像感觉在日本影坛独树一帜。

  l 995年执导的《情书》获柏林国际电影节最佳亚洲电影奖。这部描写年青人告别自己初恋情人的心理电影获得了日本国内外的高度赞扬,获日本电影旬报十佳作品奖第一,读者选最佳导演奖,成为继日本九十年代群体导演之后,新生代导演的代表作家。

  I 996年执导《野餐》获柏林国际电影节电影记者奖。同年还执导了《火龙拳》和《燕尾蝶》。I 998年执导《四月物语》。由于岩井精通所有影像形式,并将其综合地运用在电影创作中,因而形成了“岩井美学”的独特风格,被日本影评家们誉为“映像作家岩井俊二”。主要电视剧作品有:菜肉蛋卷》、《幽灵商店》、《龙拳》。

  《情书》在神户,渡边博子抄下一个无法投递的旧址,给死去的未婚夫藤井树写了一封信,只有两句话:你好吗?我很好。没想到竟收到了回信。但这个藤井树是个女孩,博子决定去拜访这个女藤井树。但她们多次擦肩而过却无缘相见。

  博子留下信说她的未婚夫叫藤井树。女藤井树说她有个中学同学叫藤井树,可能是她的未婚夫。博子忽然醒悟藤井树爱她因为她象女藤井树。她请女藤井树多讲些男藤井树的事。

  他们同名同姓在一个班上,引起的混乱可想而知。两人心里产生怪怪的感觉。女藤井树回到中学,图书馆里整理书籍的女生说87本书的借书卡都有藤井树的名字。老师告诉她另一个藤井树已经去世了。

  整理书籍的女生发现《追忆似水年华》的借书卡背面画着女藤井树的肖像,而这本书,是男藤井树最后一次与她见面时请她代还的。可惜她当时什么也没有发现。

  这是一部明亮清秀的抒情之作,感而不伤,巧合而含蓄,在生死无常中找到温馨的人情交汇点,不管天南地北、前世今生的时空阻隔,微妙地联系起来,拍的不落俗套,细微动人,婉转有趣。岩井俊二的电影手法没有卖弄,整体拍出情趣,特别是回忆中学往事部分,很有情趣。《情书》珍惜生命和爱情,悼亡场面也是泪中有笑,用笑声驱散人生的冰冷和荒谬,看起来令人舒畅。本片获得日本《电影旬报》评选1995年十大影片第一名,岩井俊二获选最佳导演。

  北野武(1947一 ),日本电影导演、影视演员、相声家、制片人。生于东京。曾以艺名彼得武蜚声日本相声舞台、电视台以及广播电台中心的电视小品节目,并出演广告片和电视剧

  。I983年出演大岛渚执导的《战场上快乐的圣诞节》,从此踏上电影表演之路。1989年北野武执导了电影处女作《这个男人很凶暴》(又译《小心恶警》),并以“彼得武”艺名出任演员、显示了他多方面的艺术才能和与大制片厂培育的一代导演截然不同的气质,打破了传统的制片模式,惊动了日本影坛。影片即获日本电影旬报十佳作品奖。

  此后几乎每片必获此奖。他的作品几乎都是自编自导自演。1998年执导《花火》,北野风格达到成熟。他在作品中表现出来的即兴表演,即兴摄影,故事跟着感觉走,突发性暴力冲突,失衡的角色搭配等电影语言为日本影坛带来了全新的映像,也为世界影坛带来了新的视觉冲击。该片获第54届威尼斯电影节金狮奖,欧美影评人惊叹“北野武冲击波袭击威尼斯”。

  1998年执导自传体电影《菊次郎之夏》,与以往风格截然不同,他自称此片是自己心中寻母三千里思乡之情的结晶。同年担任影片《不活了》的制片人。日本影坛因他第一次打破日本电影史上百年历史形成的制片厂体制,开创了电影创作的自由奔放的氛围,称他为“日本新电影”的代表作家。主要作品还有:《业余棒球队》(1990)、《小奏鸣曲》(1993)、《大家都干吗?》(1995)。

  《花火》刑警西佳敬不停奔波,他面对突然死亡的孩子和身患不治之症的妻子时忽然感到自己竟不知为何奔波。同事崛部的事故使他内心的焦躁爆发了。西佳敬去医院探视妻子,这天崛部遭到杀人犯的枪击。西佳敬内心受到责备,认为他们的不幸与自己有关系。为了与妻子共同度过所剩不多的日子,西佳敬向黑社会借钱。最后在黑社会追杀和警察堵截情况下,西佳敬与妻子在海边自杀。

  这部影片用美丽夺目的鲜花和熊熊燃烧的烈火来象征爱与暴力,来体现生与死的主题。本片中的暴力是在所爱的人物、事物受到危害时爆发的暴力,使观众能够接受。北野武在片中插入了自己的绘画,创造了一个充满慈爱的宁静世界。影片还展现了大自然的美丽。突破了旧日本电影的一些固有模式。这是北野武第七部影片,达到了一种精炼的成熟。将现实镜头的推进和对突然插进的极其复杂的回忆镜头的处理非常统一自然。这部影片1997年获第54届威尼斯国际电影节金狮奖。

  基阿罗斯塔米·阿巴斯(1940一 ),伊朗电影导演。生于德黑兰。1987年创作《朋友的家在哪里》。1988年两伊战争结束,l989年伊朗电影踏上国际影坛,该片获洛迦诺电影节铜豹奖。

  l992年创作的《人生在继续》是《朋友的家在哪里》的续篇,获戛纳电影节评委会奖。这两部电影与1994年创作的《穿过橄榄树林》被统称为“之字形道路三部曲”。

  1997年执导被誉为生命赞歌的《樱桃的滋味》,与日本的《鳗鱼》并列戛纳国际电影节金奖。1999年执导《随风而去》获威尼斯电影节评委会奖。

  主要作品还有:《下课后》(1972)、《经验》(1973)、《一个问题两种解决方法》(1975)、《我也能做》(1975)、《结婚典礼的服装》(1976)、《颜色》(1976)、《报导》(1977)、《一年级学生》(1984)、《课外作业》(1989)、《放大》(1990)、《光的诞生》(1997)。

  巴迪是一个厌弃生命的中年男人,他在一棵樱桃树下挖了一个坑,准备自杀后埋在这里。为了找到一个能在他死后帮他埋尸的好心。